• complementar: resulta da combinação de cores opostas, como vermelho e verde ou azul e laranja, criando contraste e destaque.
• Harmonia triádica: utiliza três cores equidistantes no círculo, como vermelho, amarelo e azul, proporcionando equilíbrio dinâmico (RIBEIRO, 2016).

Na pintura em tecido, a harmonia das cores deve considerar não apenas o círculo cromático, mas também o tom do tecido e o efeito desejado. Tecidos claros tendem a realçar tons vibrantes, enquanto tecidos escuros exigem cores mais densas ou o uso de bases claras para contraste (MOURA, 2020).

A harmonia cromática também envolve o contraste de temperatura, ou seja, a relação entre cores quentes (vermelhos, laranjas e amarelos), associadas à energia e proximidade, e cores frias (azuis, verdes e violetas), que sugerem calma e afastamento. Essa variação de temperatura contribui para a sensação de profundidade nas pinturas (ROCHA, 2022).

3. Misturas Básicas e Tons Intermediários

O domínio das misturas de cores é uma habilidade essencial para quem trabalha com pintura em tecido. A criação de tons intermediários, variações e matizes permite ao artista ampliar a paleta cromática e expressar diferentes efeitos visuais, adaptando a cor às nuances do tecido e ao estilo da obra.

3.1 Misturas de Cores Primárias

As cores secundárias e terciárias são obtidas a partir da combinação das primárias em proporções variadas. A quantidade de cada cor interfere diretamente na tonalidade resultante. Por exemplo, misturar azul e amarelo em partes iguais gera um verde equilibrado, enquanto a predominância de amarelo produz um verde mais claro e vibrante. A variação controlada das proporções é fundamental para alcançar tons precisos e harmônicos (SOUZA, 2018).

Além das misturas diretas, é possível ajustar a intensidade da cor utilizando branco, preto ou cinza. A adição de branco gera tons pastéis, mais suaves e luminosos; o preto cria tons escuros, usados para sombras; e o cinza reduz a saturação, tornando a cor mais neutra e discreta (FERREIRA, 2019).

3.2 Tons Intermediários e Degradês

Os tons intermediários são essenciais para transições sutis entre áreas de luz e sombra. Em pintura sobre tecido, essas transições são obtidas misturando a tinta diretamente na superfície, enquanto ainda está úmida, ou utilizando o clareador incolor, que retarda a secagem e facilita o esfumaçamento (SILVA, 2018).

Os degradês — variações suaves de cor — dão movimento e naturalidade às composições. O

domínio dessa técnica é fundamental para pintar elementos como flores, frutas e tecidos dobrados, nos quais a cor não é uniforme, mas se altera conforme a incidência da luz.

3.3 Erros Comuns nas Misturas

Entre os erros mais frequentes na mistura de cores está o uso excessivo de pigmento, o que resulta em tons opacos e de difícil manipulação. Outro equívoco é a mistura de cores complementares em excesso, que tende a produzir tonalidades acinzentadas. Para evitar isso, recomenda-se testar as combinações em pequenas amostras antes da aplicação definitiva (MARTINS, 2021).

O aprendizado das misturas exige observação e experimentação contínua, pois fatores como a textura do tecido, a espessura da tinta e o tempo de secagem influenciam diretamente no resultado.

4. Luz e Sombra: Volume e Profundidade

A representação de luz e sombra é o que confere realismo e tridimensionalidade à pintura. Por meio do contraste entre áreas claras e escuras, o artista cria a ilusão de volume, transformando formas planas em figuras com profundidade e relevo.

Na pintura em tecido, esse efeito é especialmente valorizado, pois o jogo de luz e sombra torna as cores mais expressivas e vibrantes (OLIVEIRA, 2019).

4.1 Fontes de Luz e Direção

Antes de iniciar a pintura, é importante determinar a fonte de luz da composição, ou seja, o ponto de onde a luz incide. Essa decisão orienta a aplicação das áreas de brilho e sombra. Quando a luz vem de cima, as partes superiores dos objetos são mais claras; quando vem lateralmente, forma-se um gradiente entre luz e sombra nas superfícies (RIBEIRO, 2016).

A direção da luz também influencia as cores: as áreas iluminadas apresentam tons mais quentes e saturados, enquanto as sombras são mais frias e opacas. Essa variação cromática aumenta a sensação de profundidade e realismo (MOURA, 2020).

4.2 Técnicas de Sombras e Degradês

A aplicação das sombras pode ser feita com o uso de tons escurecidos da própria cor base ou com a adição de pequenas quantidades de preto, marrom ou azul. O segredo está na sutileza: sombras muito intensas podem parecer artificiais. Em tecidos claros, o uso de sombreamento suave com clareador e pincel seco é o mais indicado (FERREIRA, 2019).

Já o realce de luz é criado com tintas claras ou misturas com branco, aplicadas nas áreas de maior incidência luminosa. O equilíbrio entre luz e sombra confere naturalidade à pintura e evidencia o volume dos objetos. O artista deve buscar uma transição contínua entre as áreas,

evitando contrastes abruptos (ROCHA, 2022).

4.3 Volume e Profundidade Visual

O volume e a profundidade são construídos pela gradação tonal. Objetos mais próximos tendem a ter cores vivas e contrastes acentuados, enquanto os mais distantes apresentam tons mais suaves e frios, devido ao fenômeno da perspectiva cromática. Essa técnica é amplamente utilizada na pintura de paisagens e fundos decorativos (SOUZA, 2018).

A aplicação correta da luz e da sombra requer observação da natureza e estudo constante. A prática permite ao artista desenvolver percepção espacial e sensibilidade visual, atributos indispensáveis à pintura realista e expressiva.

5. Considerações Finais

As noções de cores e sombras são elementos estruturais na pintura em tecido. Compreender o círculo cromático, as misturas tonais e o comportamento da luz sobre as formas é o que diferencia uma pintura plana de uma obra com profundidade e vida. A harmonia entre cores, associada à aplicação adequada de luz e sombra, permite expressar sensações e criar composições esteticamente equilibradas.

O aprendizado dessas técnicas requer prática contínua, observação e experimentação. Ao dominar a teoria das cores e as técnicas de sombreamento, o artista passa a compreender que cada pincelada é um diálogo entre ciência e emoção, entre a técnica e a sensibilidade.

Referências Bibliográficas

COSTA, L. A. Educação artística e artesanato: práticas integradas na escola. Rio de Janeiro: Vozes, 2017.
FERREIRA, P. C. Materiais e técnicas da arte têxtil. Lisboa: Almedina, 2019.
MARTINS, R. L. Técnicas de pintura e tingimento de tecidos. Curitiba: Appris, 2021.
MOURA, D. S. Pintura em tecido: teoria e prática. Belo Horizonte: Editora Horizonte, 2020.
OLIVEIRA, J. R. História da pintura têxtil: do artesanal ao contemporâneo. Salvador: EDUFBA, 2019.
RIBEIRO, A. M. Cultura e cor: o uso de pigmentos na arte antiga. São Paulo: Edusp, 2016.
ROCHA, T. P. Design artesanal e sustentabilidade: novos caminhos da pintura em tecido. Porto Alegre: UFRGS, 2022.
SILVA, C. B. Pigmentos e técnicas tradicionais de pintura em tecidos asiáticos. Rio de Janeiro: SENAI, 2018.
SOUZA, E. V. Fundamentos técnicos da pintura artesanal. Recife: Massangana, 2018.

Pintura de Elementos Simples na Pintura em Tecido

1. Introdução

A pintura em tecido é uma arte que combina técnica, sensibilidade e observação da natureza. Para o iniciante, a prática com elementos simples, como flores e folhas, é essencial, pois permite o desenvolvimento da

coordenação motora, do controle do pincel e da percepção das cores. Esses elementos, além de representarem temas tradicionais no artesanato têxtil, oferecem uma ampla possibilidade de variações estéticas e estilísticas (MOURA, 2020).

O estudo de formas naturais serve como base para a construção de composições mais complexas. As flores e folhas são estruturas que desafiam o artista a compreender o equilíbrio entre luz e sombra, a transição de cores e a criação de volumes por meio do uso da tinta. Além disso, a compreensão dos tons quentes e frios e das técnicas de gradientes e contornos amplia o repertório visual e técnico do pintor. O objetivo deste texto é apresentar as principais técnicas de pintura de elementos simples, com ênfase na harmonia cromática e na aplicação dos princípios básicos de volume e contraste.

2. Folhas e Flores Básicas: Formas e Construção

2.1 Representação de Folhas

As folhas são elementos recorrentes nas composições de pintura em tecido, funcionando como base e moldura para flores e outros motivos. A estrutura básica de uma folha consiste em um eixo central (nervura principal) e bordas que variam conforme a espécie.

As mais comuns nas pinturas artesanais são as folhas largas e as folhas alongadas, cada uma com características distintas de cor e textura (SILVA, 2018).

Para iniciantes, recomenda-se o uso de pincel chato nº 10 ou 12, que permite traços firmes e preenchimento uniforme. A pintura começa com o preenchimento da área principal utilizando uma cor base — geralmente verde-oliva, verde-médio ou verde-musgo — e, em seguida, aplicam-se tons mais claros nas áreas de luz e tons escuros nas sombras, criando profundidade (MARTINS, 2021). O uso do clareador incolor facilita o esfumaçamento, permitindo que a transição entre as tonalidades ocorra de maneira suave.

A nervura central é feita ao final, com um pincel liner e tinta levemente diluída. Pequenos detalhes, como bordas amareladas ou esbranquiçadas, conferem naturalidade e realismo à folha (FERREIRA, 2019).

2.2 Pintura de Flores Simples

As flores básicas, como margaridas e rosas estilizadas, são ideais para a prática das noções de luz, sombra e volume.
A margarida, por exemplo, é composta por pétalas alongadas que irradiam de um centro circular. Para pintá-la, inicia-se pelo miolo, usando tons quentes como o amarelo-ouro e o siena. As pétalas são trabalhadas com branco, azul-claro, lilás ou rosa, aplicando-se sombras na base e luz nas extremidades. O pincel chato ou

angular é o mais adequado para esse tipo de traçado (SOUZA, 2018).

Já a rosa básica requer um estudo maior de sobreposição. O processo começa com um esboço circular e camadas de tinta que simulam as pétalas sobrepostas.

Utilizam-se cores em degradê — do tom mais escuro no centro (bordô, púrpura ou vermelho-escuro) até os tons mais claros nas bordas (rosa-bebê, salmão ou branco). O segredo está em aplicar a tinta ainda úmida, realizando movimentos semicirculares e delicados (MOURA, 2020).

A observação da natureza é uma aliada indispensável. Cada flor possui forma, textura e coloração únicas. O artista deve buscar reproduzir a essência e a harmonia, mais do que a reprodução literal.

3. Combinação de Tons Quentes e Frios

3.1 Teoria das Temperaturas Cromáticas

O conceito de temperatura das cores é um dos pilares da harmonia cromática. As cores quentes, como vermelho, laranja e amarelo, transmitem energia, proximidade e vitalidade; enquanto as cores frias, como azul, verde e violeta, evocam calma, serenidade e afastamento (RIBEIRO, 2016).

Na pintura em tecido, o contraste entre tons quentes e frios é amplamente explorado para criar equilíbrio visual. Por exemplo, flores em tons quentes podem ser realçadas por folhas em tons frios, o que proporciona destaque e profundidade à composição (FERREIRA, 2019).

3.2 Equilíbrio e Contraste Cromático

O uso equilibrado de temperaturas cromáticas é essencial para evitar que o trabalho se torne visualmente cansativo. Uma regra prática é utilizar cores quentes nos elementos principais (flores) e cores frias nos elementos de apoio (folhas e fundos). Essa estratégia cria uma hierarquia visual e conduz o olhar do observador para o ponto focal (ROCHA, 2022).

Além disso, é importante compreender que cada cor possui sua “temperatura relativa”. Um verde com predominância de amarelo tende a ser mais quente, enquanto um verde com mais azul é considerado frio. A mistura entre esses extremos gera tons intermediários, fundamentais para transições harmoniosas (SOUZA, 2018).

Na prática, o pintor deve observar o tecido e o ambiente da composição: tons frios combinam com tecidos brancos ou azuis, enquanto tons quentes ganham destaque em tecidos claros de fundo neutro.

3.3 Aplicação Prática na Pintura Floral

Na pintura de flores, o contraste de temperaturas ajuda a realçar os volumes. Uma rosa em tom avermelhado pode ganhar profundidade quando sombreada com um toque de violeta (cor fria) e iluminada com amarelo ou branco (tons

quentes). Já folhas verdes tornam-se mais realistas quando sombreadas com azul-marinho e iluminadas com verde-limão ou amarelo-claro (MARTINS, 2021).

Essa interação entre quentes e frios é o que dá vida e naturalidade à pintura. Mais do que aplicar regras fixas, o artista deve experimentar e perceber como as cores dialogam entre si.

4. Prática com Gradientes e Contornos

4.1 O Uso de Gradientes

Os gradientes são transições suaves entre duas ou mais cores, muito usados na pintura em tecido para criar efeitos de volume, luz e sombra. Essa técnica, também chamada de esfumado, consiste em misturar as tintas ainda úmidas sobre o tecido, utilizando movimentos circulares ou de vai-e-vem (SILVA, 2018).

A aplicação correta do gradiente requer controle da quantidade de tinta no pincel. É recomendável começar com a cor mais clara e, gradualmente, adicionar a escura, integrando-as com o auxílio do clareador incolor. Esse processo cria a ilusão de profundidade e suaviza os contornos.

4.2 Contornos e Definição das Formas

O contorno é responsável por definir as bordas e dar acabamento ao desenho. Pode ser feito com pincel liner e tinta pura, levemente diluída. Há dois tipos principais de contorno: o contorno artístico, que segue o movimento natural do objeto com traços finos e irregulares, e o contorno decorativo, mais marcado e uniforme, usado em estilos modernos ou infantis (FERREIRA, 2019).

Um erro comum entre iniciantes é o contorno excessivamente rígido, que dá aparência artificial à pintura. O ideal é utilizar traços leves e contínuos, respeitando o volume e o movimento das pétalas e folhas. Em flores delicadas, como margaridas, o contorno pode ser quase imperceptível; em flores maiores, como rosas, ele pode ser mais definido (MOURA, 2020).

4.3 Exercícios de Treinamento

Para aprimorar a técnica, é recomendável realizar exercícios de transição de tons e controle de linha. Um exemplo prático é pintar círculos, esferas e pétalas simples, aplicando gradientes do centro para as bordas. O treino contínuo permite compreender o tempo ideal de secagem e a fluidez da tinta. O artista deve buscar equilíbrio entre precisão e suavidade — traços firmes, mas com leveza (COSTA, 2017).

5. Considerações Finais

A pintura de elementos simples é o ponto de partida para o domínio técnico e artístico da pintura em tecido. Folhas, flores e pétalas oferecem infinitas possibilidades de aprendizado, pois exigem atenção à forma, à cor e à luz. O estudo da temperatura das cores e o

uso de gradientes e contornos bem aplicados proporcionam naturalidade e elegância ao trabalho.

Mais do que reproduzir modelos, o artista deve compreender a lógica visual da natureza: a maneira como a luz incide, como as cores se mesclam e como os volumes se formam. Com prática, paciência e sensibilidade, é possível transformar o simples em arte, e o tecido em tela viva de expressão e beleza.

Referências Bibliográficas

COSTA, L. A. Educação artística e artesanato: práticas integradas na escola. Rio de Janeiro: Vozes, 2017.
FERREIRA, P. C. Materiais e técnicas da arte têxtil. Lisboa: Almedina, 2019.
MARTINS, R. L. Técnicas de pintura e tingimento de tecidos. Curitiba: Appris, 2021.
MOURA, D. S. Pintura em tecido: teoria e prática. Belo Horizonte: Editora Horizonte, 2020.
RIBEIRO, A. M. Cultura e cor: o uso de pigmentos na arte antiga. São Paulo: Edusp, 2016.
ROCHA, T. P. Design artesanal e sustentabilidade: novos caminhos da pintura em tecido. Porto Alegre: UFRGS, 2022.
SILVA, C. B. Pigmentos e técnicas tradicionais de pintura em tecidos asiáticos. Rio de Janeiro: SENAI, 2018.
SOUZA, E. V. Fundamentos técnicos da pintura artesanal. Recife: Massangana, 2018.

Efeitos e Texturas na Pintura em Tecido

1. Introdução

A pintura em tecido é uma forma de expressão artística que combina técnica e criatividade, permitindo transformar superfícies simples em composições visuais ricas e detalhadas. A qualidade de uma pintura não depende apenas das cores escolhidas, mas também da maneira como o artista manipula os pincéis, aplica a tinta e cria efeitos de textura, transparência e brilho. Esses recursos são fundamentais para conferir movimento, volume e realismo às obras (MOURA, 2020).

O domínio das técnicas de efeitos e texturas exige sensibilidade e prática constante. Entre as principais abordagens, destacam-se o uso do pincel seco e do esfumado, a criação de transparências e brilhos e a aplicação de detalhes com pincel liner e sombreamento. Essas técnicas, quando combinadas, conferem à pintura em tecido um aspecto tridimensional, tornando-a mais expressiva e harmoniosa.

2. Uso de Pincel Seco e Esfumado

2.1 Técnica do Pincel Seco

A técnica do pincel seco é amplamente utilizada para criar efeitos de textura e realce. Consiste em aplicar uma pequena quantidade de tinta no pincel e remover o excesso antes de encostar no tecido, produzindo traços suaves e controlados. Esse método é ideal para destacar áreas de luz, dar aparência de leve desgaste ou ressaltar

volumes sutis (FERREIRA, 2019).

O pincel seco deve ser preferencialmente de cerdas duras e curtas, pois esse tipo de cerda permite melhor controle sobre a quantidade de tinta liberada. É indicado em pinturas de flores, folhas, tecidos drapeados e elementos decorativos, proporcionando um acabamento natural e levemente acetinado.

A aplicação dessa técnica requer que o tecido esteja completamente seco, sem clareador incolor ou tinta fresca. Caso contrário, o efeito perde definição. O segredo está em manter o movimento leve, quase flutuante, para que a tinta se deposite apenas na superfície das fibras (SOUZA, 2018).

2.2 Técnica do Esfumado

O esfumado é uma das técnicas mais características da pintura em tecido, responsável pela criação de transições suaves entre tons, eliminando linhas abruptas. É obtido ao misturar tintas ainda úmidas diretamente sobre o tecido, geralmente com o auxílio do clareador incolor. Essa técnica confere naturalidade e suavidade, especialmente em flores, rostos e paisagens (SILVA, 2018).

Para alcançar um bom resultado, o pintor deve controlar o tempo de secagem e o volume de tinta no pincel. O esfumado pode ser feito com pincel chato ou angular, utilizando movimentos circulares, de vai-e-vem ou giratórios. Além disso, é importante aplicar as cores do tom mais claro para o mais escuro, criando um degradê contínuo.

O esfumado é essencial para representar luz e sombra com sutileza, evitando contrastes artificiais. O domínio dessa técnica é considerado um dos marcos de maturidade na pintura em tecido (MARTINS, 2021).

3. Criação de Efeitos de Transparência e Brilho

3.1 Efeitos de Transparência

Os efeitos de transparência são utilizados para representar tecidos finos, pétalas delicadas, vidros, asas de insetos e outras superfícies translúcidas. Essa técnica consiste em aplicar a tinta em camadas leves e sobrepostas, deixando transparecer a cor ou o fundo do tecido (FERREIRA, 2019).

O clareador incolor é fundamental nesse processo, pois ajuda a diluir a tinta sem comprometer sua fixação. O artista deve trabalhar com pincéis macios, utilizando pequenas quantidades de pigmento e movimentos contínuos. As cores claras e médias são mais adequadas para criar transparência, enquanto os tons escuros devem ser usados com moderação.

O controle da opacidade é obtido pela variação da pressão do pincel e da quantidade de tinta aplicada. O uso excessivo de pigmento elimina o efeito translúcido, tornando a pintura pesada. Por outro lado, camadas

da opacidade é obtido pela variação da pressão do pincel e da quantidade de tinta aplicada. O uso excessivo de pigmento elimina o efeito translúcido, tornando a pintura pesada. Por outro lado, camadas muito finas podem perder definição. O equilíbrio entre cor e leveza é o ponto central dessa técnica (MOURA, 2020).

3.2 Efeitos de Brilho

O brilho é um elemento visual que confere vitalidade e realismo à pintura. Ele representa a luz refletida em superfícies lisas ou úmidas, como frutas, gotas d’água, metais e tecidos acetinados. O efeito de brilho é criado aplicando-se pequenas quantidades de tinta branca ou tons muito claros nas áreas que recebem maior incidência de luz (RIBEIRO, 2016).

O artista deve observar a direção da iluminação definida na composição. O brilho deve ser coerente com a fonte de luz, evitando reflexos em posições incorretas. Em flores, por exemplo, o brilho é aplicado nas bordas das pétalas voltadas para a luz; em frutas, nos pontos de maior convexidade.

O pincel seco também pode ser utilizado para criar reflexos sutis, enquanto o pincel liner é ideal para brilhos pontuais e contornos luminosos. Em algumas situações, mistura-se uma pequena quantidade de tinta metálica à cor original, intensificando o efeito cintilante (ROCHA, 2022).

4. Aplicação de Detalhes com Liner e Sombreamento

4.1 O Pincel Liner e Sua Função

O pincel liner é uma ferramenta de precisão, caracterizada por suas cerdas longas, finas e flexíveis. É utilizado para traçar linhas delicadas, contornos, nervuras de folhas, arabescos e pequenas inscrições. Sua principal função é definir detalhes e reforçar as áreas de contraste, proporcionando acabamento refinado (FERREIRA, 2019).

Para utilizá-lo corretamente, a tinta deve estar ligeiramente diluída, facilitando o deslizamento do pincel sobre o tecido. A pressão deve ser mínima, e o movimento contínuo. O liner é também empregado na criação de fios de cabelo, bordas florais e linhas de brilho, conferindo dinamismo e naturalidade à obra (SOUZA, 2018).

Em pinturas decorativas, o uso do liner ajuda a equilibrar o conjunto, delimitando formas e destacando elementos que, sem o contorno, poderiam se confundir com o fundo. No entanto, é importante que o traço seja sutil, evitando rigidez excessiva.

4.2 Técnicas de Sombreamento

O sombreamento é o complemento essencial do brilho e da transparência. Ele cria profundidade, volume e contraste, guiando o olhar do observador e destacando as formas da composição.

Na pintura em

tecido, o sombreamento é feito aplicando-se tinta escura nas áreas opostas à luz, geralmente misturada com clareador ou com a cor base (MARTINS, 2021).

As sombras podem ser frias ou quentes, dependendo do tom predominante da composição. Por exemplo, uma flor vermelha pode ser sombreada com violeta (frio), enquanto uma folha amarelada pode receber sombra com marrom-ocre (quente). Essa escolha afeta diretamente o equilíbrio cromático da pintura (RIBEIRO, 2016).

O sombreamento deve ser aplicado com leveza e suavidade, evitando marcas de pincel. O uso de pincel chato ou angular, combinado com o esfumado, garante um resultado mais uniforme. Quando bem executado, o sombreamento confere realismo e unidade visual à obra (MOURA, 2020).

5. A Interação entre Efeitos e Texturas

A combinação entre pincel seco, esfumado, transparência, brilho e sombreamento permite ao artista criar composições dinâmicas e harmoniosas. Esses recursos não são isolados, mas complementares. Um trabalho com boa textura requer equilíbrio entre áreas de luz e sombra, nuances suaves e contrastes pontuais.

Além da técnica, o observador deve sentir a coerência da obra — como se cada elemento tivesse uma presença física sobre o tecido. O domínio desses efeitos transforma a pintura em tecido em uma arte capaz de expressar sensações de movimento, temperatura e materialidade (ROCHA, 2022).

Para alcançar esse domínio, é essencial praticar a observação. Estudar como a luz incide sobre objetos reais e como as superfícies refletem ou absorvem brilho contribui para a construção de um olhar mais sensível e técnico.

Dessa forma, a pintura deixa de ser apenas uma reprodução e torna-se uma interpretação artística da realidade (FERREIRA, 2019).

6. Considerações Finais

As técnicas de efeitos e texturas são o ápice da pintura em tecido, pois unem conhecimento técnico e expressão pessoal. O uso correto do pincel seco e do esfumado, a criação de transparências e brilhos, e o acabamento com liner e sombreamento conferem refinamento à obra e revelam o domínio do artista sobre o material.

Mais do que um conjunto de procedimentos, essas técnicas representam a compreensão da luz e da cor como elementos vivos. Ao praticá-las com atenção e sensibilidade, o pintor é capaz de transformar um simples tecido em uma superfície artística de grande impacto visual e emocional.

Referências Bibliográficas

COSTA, L. A. Educação artística e artesanato: práticas integradas na escola. Rio de Janeiro: Vozes, 2017.
FERREIRA,

P. C. Materiais e técnicas da arte têxtil. Lisboa: Almedina, 2019.
MARTINS, R. L. Técnicas de pintura e tingimento de tecidos. Curitiba: Appris, 2021.
MOURA, D. S. Pintura em tecido: teoria e prática. Belo Horizonte: Editora Horizonte, 2020.
RIBEIRO, A. M. Cultura e cor: o uso de pigmentos na arte antiga. São Paulo: Edusp, 2016.
ROCHA, T. P. Design artesanal e sustentabilidade: novos caminhos da pintura em tecido. Porto Alegre: UFRGS, 2022.
SILVA, C. B. Pigmentos e técnicas tradicionais de pintura em tecidos asiáticos. Rio de Janeiro: SENAI, 2018.
SOUZA, E. V. Fundamentos técnicos da pintura artesanal. Recife: Massangana, 2018.