• outras formas artísticas. Utiliza grafite, carvão, nanquim e outros instrumentos para gerar imagens em superfícies planas. Serve tanto como obra final quanto como estudo preparatório para outras linguagens.
• Gravura: Técnica de reprodução de imagens a partir de matrizes entalhadas em metal, madeira ou outros suportes. Inclui modalidades como xilogravura, litografia e serigrafia.
• Cerâmica: Envolve a modelagem de argila e sua posterior queima em fornos, resultando em peças utilitárias ou decorativas. A cerâmica artística pode assumir formas escultóricas ou funcionais.

Além dessas expressões tradicionais, é possível incluir no escopo das artes plásticas práticas como a colagem, a tapeçaria, a instalação e a arte urbana. Todas compartilham a característica de utilizar materiais moldáveis ou manipuláveis como veículo de expressão estética e simbólica.

3. Diferenças entre Artes Visuais, Aplicadas e Performáticas

Embora os termos "artes plásticas", "artes visuais", "artes aplicadas" e "artes performáticas" sejam muitas vezes utilizados de forma intercambiável, eles designam categorias distintas dentro do campo artístico. Compreender suas especificidades contribui para uma apreciação mais precisa das práticas culturais.

3.1 Artes Visuais

As artes visuais englobam todas as manifestações artísticas cuja recepção se dá principalmente pelo sentido da visão. São uma categoria mais ampla que inclui não apenas as artes plásticas, mas também a fotografia, o cinema, o design gráfico, a arte digital e o vídeo. Segundo Martins (2005), o termo surgiu com mais força na segunda metade do século XX como uma forma de abranger os novos meios técnicos e tecnológicos aplicados à arte.

As artes visuais podem ser divididas em tradicionais (como pintura e escultura) e contemporâneas, que incorporam mídia eletrônica, performance visual, arte interativa, entre outras possibilidades.

3.2 Artes Aplicadas

As artes aplicadas dizem respeito às criações que conciliam função prática e valor estético. Incluem áreas como o design de interiores, a moda, o artesanato, a arquitetura, o design de produtos e o mobiliário. Nessa categoria, a beleza está aliada à utilidade, e a obra artística geralmente tem um propósito funcional além do decorativo.

Enquanto nas artes plásticas a função da obra é primariamente estética e simbólica, nas artes aplicadas há um diálogo constante com o uso cotidiano. Conforme Chauí (2000), a arte aplicada se aproxima da

artes plásticas a função da obra é primariamente estética e simbólica, nas artes aplicadas há um diálogo constante com o uso cotidiano. Conforme Chauí (2000), a arte aplicada se aproxima da técnica e do design industrial, sem, contudo, perder sua dimensão criativa.

3.3 Artes Performáticas

As artes performáticas, ou artes da performance, envolvem a presença física do artista e a execução de ações em tempo real, diante de um público. Incluem o teatro, a dança, a música e as performances corporais. Nessa modalidade, o corpo é o principal meio expressivo, e a experiência estética ocorre no tempo e no espaço.

A performance como linguagem artística contemporânea pode se relacionar com as artes plásticas quando incorpora objetos, espaços e intervenções visuais. No entanto, sua natureza efêmera e processual a diferencia das obras materiais e permanentes das artes plásticas tradicionais.

Considerações Finais

As artes plásticas são uma forma fundamental de expressão cultural e sensível da humanidade. Ao lado das artes visuais, aplicadas e performáticas, constituem uma rica paisagem de linguagens artísticas que revelam os valores, os conflitos e as emoções de cada época.

Embora os limites entre essas categorias tenham se tornado mais fluidos nas práticas contemporâneas, sua compreensão continua sendo essencial para a formação crítica e sensível de quem deseja atuar ou apreciar o campo das artes. Para iniciantes, a exploração dos fundamentos das artes plásticas oferece um caminho instigante de autoconhecimento e desenvolvimento estético.

Referências Bibliográficas

ARGAN, Giulio Carlo. História da Arte como História da Cidade. São Paulo: Martins Fontes, 1992.

CHAUÍ, Marilena. Convite à Filosofia. São Paulo: Ática, 2000.

MARTINS, Mirian Celeste. O Ensino da Arte: o que é isso?. São Paulo: FTD, 2005.

PALLATINI, Luiza. Arte: sua história, suas linguagens. São Paulo: Moderna, 2004.

CANELO, Maria Luiza. Leituras da Arte. Campinas: Papirus, 2001.

TATE MODERN. What are the Visual Arts? Disponível em: https://www.tate.org.uk/art/art-terms/v/visual-arts. Acesso em: jul. 2025.

O Papel da Arte na Sociedade

A arte, em suas múltiplas formas e manifestações, sempre desempenhou um papel fundamental na construção, expressão e transformação das sociedades humanas. Desde as pinturas rupestres da pré-história até as linguagens contemporâneas como a arte digital, o grafite ou a performance, a arte tem sido um instrumento de comunicação simbólica, crítica social,

expressão e transformação das sociedades humanas. Desde as pinturas rupestres da pré-história até as linguagens contemporâneas como a arte digital, o grafite ou a performance, a arte tem sido um instrumento de comunicação simbólica, crítica social, expressão individual e coesão cultural. Este texto aborda as principais funções da arte na sociedade, destacando seus aspectos culturais, políticos, educativos e subjetivos.

1. Arte como Expressão da Cultura

A arte é uma das formas mais autênticas de manifestação cultural. Ela carrega valores, crenças, símbolos e práticas que definem uma sociedade em determinado tempo e espaço. Por meio da arte é possível acessar a memória coletiva de um povo, entender suas transformações históricas e dialogar com seus dilemas existenciais.

Segundo Geertz (1989), a cultura é um sistema de significados compartilhados, e a arte é uma de suas formas mais ricas de simbolização. Através de obras de arte, grupos sociais expressam seu modo de ver o mundo, seus conflitos, desejos, medos e utopias. O carnaval brasileiro, por exemplo, é uma manifestação artística que reúne música, dança, escultura e teatro, representando a diversidade e complexidade cultural do país.

2. Arte como Forma de Comunicação

A arte também cumpre uma função comunicativa poderosa. Diferentemente da linguagem verbal ou técnica, a linguagem artística é aberta, simbólica e polissêmica, o que permite múltiplas interpretações. Ela pode comunicar emoções, ideias e experiências de forma sensível e subjetiva, ultrapassando barreiras linguísticas e culturais.

Para Eco (2001), a obra de arte é um "campo de possibilidades interpretativas", no qual o espectador é chamado a interagir ativamente com os significados propostos. Assim, a arte amplia os horizontes da comunicação humana, possibilitando o diálogo entre diferentes visões de mundo.

Além disso, a arte pode ser um canal de denúncia e contestação. Em regimes autoritários, muitos artistas utilizaram a arte como forma de resistência e crítica política. No Brasil, durante a ditadura militar (1964–1985), diversas expressões artísticas, como o teatro de resistência, o cinema novo e a música de protesto, cumpriram papel central na defesa da liberdade e da justiça.

3. Arte, Educação e Formação Humana

A presença da arte na educação é fundamental para a formação integral do indivíduo. O contato com práticas artísticas favorece o desenvolvimento da sensibilidade, da criatividade, da empatia e do pensamento crítico. Por meio

da arte na educação é fundamental para a formação integral do indivíduo. O contato com práticas artísticas favorece o desenvolvimento da sensibilidade, da criatividade, da empatia e do pensamento crítico. Por meio da arte, o educando é convidado a experimentar diferentes formas de expressão, a reconhecer sua subjetividade e a valorizar a diversidade cultural.

Segundo Martins (2005), o ensino da arte nas escolas deve ir além da mera técnica ou reprodução de modelos, buscando formar sujeitos capazes de criar, interpretar e transformar o mundo por meio da linguagem estética. A arte, nesse contexto, torna-se instrumento de emancipação e cidadania.

Programas públicos como o "Mais Cultura nas Escolas", implementado no Brasil a partir de 2013, buscaram integrar práticas culturais e artísticas ao cotidiano escolar, reconhecendo a arte como um direito e um bem comum.

4. Arte como Reflexão Crítica e Transformação Social

A arte tem o poder de colocar em questão as normas estabelecidas, provocar reflexões profundas e incitar mudanças sociais. Por meio da arte, é possível representar conflitos sociais, questionar injustiças e imaginar novos mundos possíveis. Essa dimensão crítica da arte é especialmente valorizada nas vanguardas do século XX e nas práticas artísticas contemporâneas.

Bourriaud (2009) propõe o conceito de “estética relacional”, segundo o qual a arte contemporânea tem como foco não apenas a produção de objetos, mas a criação de situações de convivência, debate e ação coletiva. Essa perspectiva aproxima a arte de práticas sociais e políticas, dando-lhe um papel ativo na construção de cidadania e democracia.

Exemplos emblemáticos incluem o muralismo mexicano (Diego Rivera, Orozco), a arte de rua (como os trabalhos de Banksy), ou as intervenções feministas e antirracistas realizadas por coletivos de arte nos espaços urbanos.

5. Arte e Subjetividade

Além de suas funções sociais e coletivas, a arte atua diretamente sobre o universo interior do sujeito. A criação e a fruição artísticas permitem acessar emoções profundas, elaborar experiências pessoais e fortalecer a identidade. A arte pode ser terapêutica, auxiliando no enfrentamento de traumas, dores e angústias.

A Arteterapia, por exemplo, é uma prática que utiliza técnicas artísticas com fins psicoterapêuticos, promovendo o autoconhecimento e o bem-estar emocional. Segundo Wadeson (2010), a arte proporciona um espaço seguro para o indivíduo expressar conteúdos que dificilmente se traduziriam em

palavras.

A contemplação estética também pode gerar prazer, admiração e transcendência. Para Kant (2000), o juízo estético é uma experiência de liberdade interior, na qual o sujeito se sente livre da utilidade e do interesse imediato, abrindo-se à experiência do sublime e do belo.

Considerações Finais

A arte, ao longo da história, tem ocupado lugar de destaque na vida das sociedades humanas. Ela é simultaneamente expressão cultural, meio de comunicação, ferramenta pedagógica, instrumento de crítica e caminho de subjetivação. Em tempos de crise, intolerância e desigualdade, a arte continua a desempenhar um papel insubstituível: o de afirmar a humanidade, abrir horizontes de sentido e nutrir esperanças de transformação.

Valorizar a arte, em todas as suas manifestações, é também afirmar o direito à liberdade, à criação e à diversidade.

Referências Bibliográficas

BOURRIAUD, Nicolas. Estética Relacional. São Paulo: Martins Fontes, 2009.

ECO, Umberto. Obra Aberta: forma e indeterminação nas poéticas contemporâneas. São Paulo: Perspectiva, 2001.

GEERTZ, Clifford. A Interpretação das Culturas. Rio de Janeiro: LTC, 1989.

KANT, Immanuel. Crítica da Faculdade do Juízo. São Paulo: Nova Cultural, 2000.

MARTINS, Mirian Celeste. O Ensino da Arte: o que é isso?. São Paulo: FTD, 2005.

WADESON, Harriet. Art Psychotherapy. New York: John Wiley & Sons, 2010.

Breve História da Arte

A história da arte é um vasto campo de estudo que acompanha o desenvolvimento da humanidade, refletindo transformações culturais, sociais, religiosas, políticas e tecnológicas ao longo dos séculos. Ao observar a produção artística desde os tempos mais remotos até os dias atuais, é possível compreender não apenas a evolução de técnicas e estilos, mas também os modos como os seres humanos têm buscado representar e interpretar o mundo. Este texto apresenta uma breve panorâmica da arte ocidental e seus principais movimentos, desde a arte pré-histórica até a contemporaneidade, incluindo alguns dos artistas mais influentes da história.

1. Arte Pré-Histórica

A arte pré-histórica surge como uma das primeiras manifestações simbólicas do ser humano, sendo registrada em cavernas, objetos e esculturas. As pinturas rupestres, como as encontradas nas cavernas de Altamira (Espanha) e Lascaux (França), datam do período Paleolítico e representam animais, figuras humanas e símbolos abstratos, geralmente ligados a rituais mágicos ou religiosos.

Também são notáveis as esculturas do período, como a

“Vênus de Willendorf”, que sugerem cultos à fertilidade. A arte nesse período não possuía uma função estética no sentido moderno, mas estava profundamente ligada ao cotidiano e às crenças das comunidades primitivas (GOMBRICH, 1999).

2. Arte Clássica

A arte da Antiguidade Clássica desenvolveu-se principalmente na Grécia e em Roma, influenciando profundamente toda a arte ocidental posterior. Na Grécia, buscava-se a harmonia, o equilíbrio e a representação idealizada da figura humana, como se observa nas esculturas de Fídias e Policleto. A arquitetura, com suas ordens dóricas, jônicas e coríntias, também se destacou pela racionalidade formal.

Em Roma, a arte incorporou elementos gregos, mas voltou-se mais para a funcionalidade, como se vê nos arcos, aquedutos e estátuas realistas de imperadores. A arte clássica estabeleceu os fundamentos da perspectiva, proporção e simetria que seriam retomados séculos depois no Renascimento (JANSON, 2001).

3. Arte Medieval

A Idade Média foi marcada por uma arte profundamente ligada à religião cristã. A arte românica (séculos XI a XIII) caracterizou-se por esculturas simbólicas, pintura mural com temas bíblicos e arquitetura de igrejas com arcos semicirculares e grossas paredes. Já a arte gótica (séculos XIII a XV) introduziu inovações como os vitrais coloridos, arcos ogivais e catedrais altas, como a de Notre-Dame de Paris.

A estética medieval valorizava a espiritualidade em detrimento do realismo, buscando elevar o espírito a Deus. A figura humana era representada de forma esquemática e simbólica, refletindo a centralidade da fé na vida medieval (CHILVERS, 2003).

4. Arte Renascentista

O Renascimento (séculos XIV a XVI) marcou um retorno aos ideais clássicos e uma valorização do ser humano e da natureza. A arte renascentista desenvolveu técnicas de perspectiva, sombreamento (chiaroscuro) e representação anatômica precisa. Leonardo da Vinci, com obras como A Última Ceia e Mona Lisa, exemplifica o espírito renascentista ao unir arte, ciência e observação da natureza.

Outros grandes nomes incluem Michelangelo (esculturas como Davi e a pintura da Capela Sistina), Rafael (composições equilibradas e serenas) e Botticelli (O Nascimento de Vênus). O Renascimento consolidou o papel do artista como intelectual e criador, e não apenas como artesão (GOMBRICH, 1999).

5. Arte Barroca

O Barroco (séculos XVII e XVIII) surgiu em um contexto de contrarreforma e buscava provocar emoção, intensidade e dinamismo. Na pintura,

destacou-se Caravaggio, com o uso dramático da luz e sombra (tenebrismo). Na escultura, Gian Lorenzo Bernini criou obras que capturam o movimento e a expressão intensa, como Êxtase de Santa Teresa.

A arte barroca também floresceu na América Latina, especialmente no Brasil colonial, com destaque para a arquitetura e escultura de Aleijadinho em Minas Gerais. Essa arte visava impactar o espectador, muitas vezes integrando arquitetura, escultura e pintura em espaços religiosos monumentais (JANSON, 2001).

6. Arte Moderna

A arte moderna, a partir do século XIX, rompe com a tradição acadêmica e propõe novas formas de ver e representar o mundo. O Impressionismo, com Monet e Renoir, explorou a luz e o instante fugaz. O Expressionismo valorizou a emoção, como em obras de Munch (O Grito). O Cubismo, liderado por Pablo Picasso e Georges Braque, fragmentou a forma e introduziu múltiplos pontos de vista em uma única imagem.

Outros movimentos importantes incluem o Surrealismo (Dalí, Magritte), que explorava o inconsciente, e o Dadaísmo, que questionava os valores da arte tradicional. A arte moderna passou a valorizar a liberdade criativa, a inovação e a subjetividade (ARNASON, 2003).

7. Arte Contemporânea

A partir da segunda metade do século XX, a arte entra em uma fase de pluralismo e experimentação. A arte contemporânea não se define por um estilo único, mas pela diversidade de linguagens, suportes e discursos. Performance, instalação, vídeo, arte digital e intervenções urbanas passam a compor o repertório artístico.

No Brasil, destacam-se artistas como Hélio Oiticica (arte ambiental e participativa), Lygia Clark (interação sensorial) e Tarsila do Amaral, cuja obra Abaporu tornou-se símbolo do modernismo brasileiro. Tarsila foi uma das fundadoras do movimento antropofágico, que propunha a valorização da cultura nacional a partir da assimilação crítica de influências externas (PONTUAL, 1989).

A arte contemporânea problematiza a própria definição de arte, incorporando temas como identidade, política, gênero e meio ambiente. Mais do que produzir objetos, muitos artistas buscam provocar reflexões e transformações sociais por meio de sua obra.

Considerações Finais

A história da arte é um espelho da própria história. Cada período artístico expressa as tensões, valores e visões de mundo de sua época. Do sagrado ao profano, do figurativo ao abstrato, do individual ao coletivo, a arte permanece como um campo vital para a imaginação, a crítica e a criação de sentidos.

Conhecer essa trajetória é não apenas um exercício intelectual, mas também uma forma de compreender a complexidade e a riqueza da experiência humana ao longo dos séculos.

Referências Bibliográficas

ARNASON, H. H. História da Arte Moderna. São Paulo: Martins Fontes, 2003.

CHILVERS, Ian. Dicionário Oxford de Arte. São Paulo: Martins Fontes, 2003.

GOMBRICH, E. H. A História da Arte. Rio de Janeiro: LTC, 1999.

JANSON, H. W. História Geral da Arte. São Paulo: Martins Fontes, 2001.

PONTUAL, Roberto. Dicionário das Artes Plásticas no Brasil. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1989.

Elementos Visuais da Arte

Os elementos visuais da arte são os componentes fundamentais que estruturam qualquer obra artística visual, seja ela uma pintura, escultura, gravura, instalação ou até mesmo uma obra digital. Esses elementos são os “alfabetos visuais” que permitem a construção de significados estéticos, simbólicos e comunicativos. Conhecê-los é essencial para compreender, criar e analisar produções artísticas. Este texto aborda os principais elementos visuais — ponto, linha, forma, cor, textura, volume e espaço — bem como noções básicas de composição, estética e equilíbrio.

1. Ponto

O ponto é considerado o elemento visual mais simples e essencial da linguagem visual. Ele marca uma posição no espaço e é a unidade mínima de construção de uma imagem. Em termos expressivos, o ponto pode sugerir foco, direção, ritmo ou repetição.

Quando isolado, o ponto atrai a atenção do observador. Quando repetido, pode gerar texturas, padrões e composições rítmicas. Para Arnheim (1986), o ponto é o gerador da linha e da forma, sendo, portanto, o primeiro sinal gráfico de presença visual.

2. Linha

A linha é o resultado do deslocamento de um ponto no espaço. Ela pode ser reta, curva, ondulada, quebrada, contínua ou descontínua, e cada tipo transmite diferentes sensações visuais e psicológicas.

Por exemplo, linhas horizontais sugerem estabilidade e repouso, linhas verticais remetem à força e elevação, enquanto linhas curvas evocam suavidade e movimento.

A linha pode delimitar contornos, criar formas, sugerir volumes ou indicar direção. No desenho, a linha é fundamental tanto para representar figuras como para estruturar composições abstratas. Segundo Dondis (1997), a linha é uma das ferramentas mais expressivas da linguagem visual.

3. Forma

A forma é o resultado do fechamento de uma linha ou da combinação de pontos e linhas que delimitam um espaço visual. Pode ser

bidimensional (plana) ou tridimensional (com profundidade), e classifica-se, geralmente, em formas geométricas (círculo, quadrado, triângulo) e formas orgânicas (irregulares, inspiradas na natureza).

As formas são componentes centrais da organização visual. No campo da arte, elas podem ser utilizadas tanto para representar objetos reconhecíveis quanto para composições abstratas. Kandinsky (1991) argumenta que as formas carregam conteúdo emocional e simbólico que afeta diretamente a percepção do espectador.

4. Cor

A cor é talvez o elemento mais sensível e emocional da linguagem visual. Resulta da percepção da luz refletida por objetos e possui três propriedades básicas: matiz (o nome da cor: azul, vermelho, verde), saturação (intensidade ou pureza) e valor (grau de luminosidade ou escuridão).

O uso das cores na arte está ligado tanto à representação da realidade quanto à expressão de sentimentos. As cores podem ser quentes (vermelho, amarelo, laranja), sugerindo energia e calor, ou frias (azul, verde, violeta), evocando calma e introspecção. Goethe (1995), em sua teoria das cores, destacou a dimensão psicológica das cores e sua capacidade de influenciar emoções.

5. Textura

A textura refere-se à qualidade superficial dos objetos — aquilo que pode ser sentido ou sugerido visualmente. Pode ser tátil (quando realmente percebida pelo toque) ou visual (quando apenas simulada graficamente). Texturas lisas, ásperas, rugosas ou macias são capazes de enriquecer visualmente uma obra de arte e despertar sensações variadas no observador.

No design e na arte contemporânea, a textura também pode ser usada de forma simbólica, provocando tensões, contrastes e ritmos visuais. De acordo com Ocvirk et al. (2002), a textura contribui para a complexidade visual e a expressividade da composição.

6. Volume

O volume é o elemento que dá tridimensionalidade às formas, criando a sensação de profundidade, peso ou leveza. Em esculturas e instalações, o volume é real, ocupando espaço físico. Já em desenhos e pinturas, o volume é simulado por meio do uso de luz e sombra, perspectiva e gradações tonais.

Dominar a representação volumétrica é essencial para artistas que desejam conferir realismo às suas obras. O domínio da luz e da sombra (chiaroscuro) é uma técnica clássica que permite representar o volume de maneira convincente em superfícies bidimensionais (GOMBRICH, 1999).

7. Espaço

O espaço, na linguagem visual, refere-se à área ocupada pelas formas e ao intervalo entre

elas. Ele pode ser positivo (espaço ocupado pelos elementos visuais) ou negativo (espaço vazio ao redor ou entre os elementos). A manipulação do espaço é crucial para gerar profundidade, equilíbrio e relação entre os componentes da obra.

Na arte ocidental, a invenção da perspectiva linear no Renascimento permitiu criar a ilusão de profundidade em superfícies planas. Já na arte contemporânea, o espaço pode ser tratado de maneira abstrata ou conceitual, rompendo com a ilusão tridimensional tradicional.

8. Composição Visual

A composição é a organização dos elementos visuais em uma obra de arte. Envolve decisões conscientes sobre posicionamento, hierarquia, equilíbrio e harmonia. Uma boa composição guia o olhar do espectador, cria tensões visuais e transmite intencionalidades estéticas e comunicativas.

Entre os princípios compositivos destacam-se:

• Unidade: coerência entre os elementos da obra.
• Contraste: uso de opostos (claro/escuro, grande/pequeno).
• Ritmo: repetição e alternância de elementos que criam movimento visual.
• Proporção: relação de tamanho entre as partes da composição.
• Ênfase: destaque dado a um elemento para atrair o olhar.

Arnheim (1986) afirma que a percepção visual está intimamente ligada à organização dos elementos na superfície, sendo a composição uma estrutura psicológica tanto quanto formal.

9. Noções de Estética e Equilíbrio

A estética é o ramo da filosofia que estuda a beleza e a experiência sensível. No contexto da arte, diz respeito às escolhas formais que provocam prazer, surpresa, estranhamento ou reflexão. Não há um modelo único de beleza, pois os critérios estéticos variam conforme a cultura, a época e a intenção do artista.

O equilíbrio é um dos princípios centrais da estética visual. Ele pode ser simétrico (quando os elementos estão distribuídos de forma igualitária) ou assimétrico (quando há equilíbrio entre elementos diferentes). Um bom equilíbrio evita que a composição pareça desordenada ou sem foco, criando uma sensação de estabilidade visual.

A estética, portanto, não é apenas uma questão de beleza formal, mas de sentido, intenção e contexto. Cada obra de arte propõe sua própria lógica estética, que deve ser compreendida e interpretada dentro de seus próprios parâmetros culturais e criativos.

Considerações Finais

Os elementos visuais da arte são os pilares da construção artística. Cada ponto, linha, forma ou cor carrega potencial expressivo e simbólico. O domínio desses elementos

permite ao artista comunicar ideias, provocar emoções e gerar experiências sensoriais complexas. Para o observador, conhecer esses fundamentos é um passo essencial para desenvolver uma leitura mais profunda, crítica e sensível das imagens que o cercam. A arte, enquanto linguagem visual, está em constante transformação, mas suas estruturas fundamentais continuam a ser ferramentas valiosas de criação e interpretação.

Referências Bibliográficas

ARNHEIM, Rudolf. Arte e Percepção Visual. São Paulo: Pioneira, 1986.

DONDIS, Donis A. Sintaxe da Linguagem Visual. São Paulo: Martins Fontes, 1997.

GOMBRICH, E. H. A História da Arte. Rio de Janeiro: LTC, 1999.

GOETHE, Johann Wolfgang. Teoria das Cores. São Paulo: WMF Martins Fontes, 1995.

KANDINSKY, Wassily. Ponto, Linha sobre Plano. São Paulo: Martins Fontes, 1991.

OCVIRK, Otto G. et al. Fundamentos da Arte e do Design. Porto Alegre: Bookman, 2002.